Le/la chorégraphe: sa place dans la culture aujourd’hui, son devenir…tant de questions se posent.
Ce qui suit est né du questionnement autour de sa formation et de là, la réflexion s’est élargie.

Au-delà et en parallèle à toutes les formations mises en place par l’AFDAS dans le cadre des droits ouverts par son statut d’auteur, ou de salarié, n’y a-t-il pas à envisager un autre type de formation?
N’y aurait-il pas la possibilité de proposer des moments informels où cette formation se ferait sur la base de l’échange d’expérience?
Je sais que l’on m’opposera toujours l’argument que le chorégraphe a déjà tellement à faire (voir le débat sur les 3 métiers du chorégraphe, auxquels s’ajoute bien souvent celui de responsable de compagnie) qu’il n’a plus de temps pour lui. Même sa formation est soumise à une démarche de rentabilité (formations techniques, de communication, administratives) puisqu’il/elle doit être polyvalent.

Mais ce qui lui manque est un espace où il puisse échanger, mûrir, confronter ses réflexions à celles de ses pairs.
Là intervient de nouveau un changement d’attitude. Il prendra du temps, certainement. Il faut donc mettre l’idée en chantier au plus tôt. Les chorégraphes s’isolent trop les uns par rapport aux autres.
De nouveau, ce constat de l’individualisme de la profession!

Mille raisons sont en cause dans cet état de faits mais les chorégraphes ne peuvent pas demander à l’institution d’évoluer si eux-mêmes ne lancent pas de grandes mutations concernant leurs approches professionnelles. Ils veulent devenir plus visibles, être pris en considération. Allons-y!

Une des manières de l’être est de se réunir, de partager des moments de réflexion, de montrer leur engagement et leur détermination à faire changer le regard sur la profession et sur la danse en général.
La danse est si souvent mise en sous-catégorie de la musique… Encore récemment, le CNSMDP en a fait les frais. Le mal a été réparé, semble-t-il, mais ce qui transpire de cette histoire est symptomatique.

Revenons à la formation continue du/de la chorégraphe. Et si le syndicat Chorégraphes Associés devenait ce laboratoire informel où les idées s’échangent, se confrontent, mûrissent, s’élaborent?
Si, en plus des débats et des rencontres que syndicat Chorégraphes Associés met de plus en plus souvent en place, d’autres temps étaient dédiés à l’acte créateur et aux chemins empruntés par le/la chorégraphe?

Questions telles que: le point de départ d’une pièce, le choix de l’espace où elle est destinée à exister, le nombre et les langages artistiques des interprètes, écriture complètement chorégraphique ou écritures de plateau qui s’enlacent…. Bien d’autre thèmes peuvent être abordés, mais sont un peu plus éloignés du sujet qui nous intéresse aujourd’hui: la formation continue.

L’évolution à mettre en chantier est énorme. Il faut que les chorégraphes s’appuient sur une structure qui leur permette ce travail commun. Le syndicat Chorégraphes Associés existe. Il est à la disposition des chorégraphes adhérents. Il représente tous les chorégraphes dans la diversité des esthétiques et des approches. Ceux qui y sont engagés souhaitent de toutes leurs forces que d’autres artistes chorégraphiques les rejoignent.
La maturité des créateurs se traduit aussi par une capacité à déplacer les obstacles, à ne pas subir avec fatalité des frilosités institutionnelles, à faire avancer ce qui leur tient à cœur.

Oui, des outils ont été créés, le CND en est un exemple. Mais il a été mis en place par l’institution!

A nous de nous emparer de notre profession en proposant des approches complémentaires à ce qui existe déjà. Nous sommes les premiers à pouvoir identifier ce qui nous manque, non?
Un premier pas serait déjà d’adhérer au syndicat Chorégraphes Associés toujours plus nombreux. Le nombre fait la force. La reconnaissance de notre poids nous donnerait des arguments pour tous les chantiers à mener.

Isabelle Magnin, membre du Conseil d’Administration de Chorégraphes Associés
Avril 2014

Quelques interrogations qui pourraient nourrir le débat programmé à Avignon en juillet 2014:

Par son vécu et son mode de travail, le/la chorégraphe ne crée-t-il/elle pas en partie cet état des choses?

Je m’explique :
– Un chorégraphe travaille presque toujours seul sauf quand il est à la direction d’un CCN. Ce qui représente un tout petit groupe au sein de la profession.
– Se sentirait-il prêt à aborder un travail d’équipe pour faire avancer un projet où toutes les formes artistiques sont représentées?
– Pourrait-il construire une programmation en partenariat avec les responsables administratifs de la structure qu’il/elle aurait en charge?
– Le/la chorégraphe a du mal à se penser « cadre » et donc, être à l’initiative de projets et à la tête d’une équipe qui ne soit pas seulement artistique et technique.
Comment dépasser cet « empêchement » pour passer de l’autre côté?

Par cette position un peu « en retrait » d’une part, et par son manque d’implication dans les engagements syndicaux et les grands débats de la profession de l’autre, le/la chorégraphe ne donne-t-il/elle pas l’image d’une personne ayant choisi un chemin solitaire et surtout individuel?
Il y aurait vraiment à engager un changement de positionnement à ce niveau.

Le syndicat Chorégraphes Associés milite pour cette évolution. Nous devenons plus « visibles » et plus représentatifs. Mais c’est aussi sur ce terrain là que nous élargissons notre cercle d’influence, me semble-t-il.
Il faut que les chorégraphes mesurent qu’ils doivent renforcer leur impact. Le syndicat Chorégraphes Associés est un des points d’appui. Y en a-t-il d’autres? Faudrait-il en inventer d’autres? Devons-nous élargir notre champ d’action?

Tous ces facteurs ne sont-ils pas assimilés par les institutions? De ce fait, on ne suggère pas aux chorégraphes que la fonction leur est accessible.
Par ailleurs, revendiquent-ils, ont-ils revendiqué cette place-là?
Quels sont les chorégraphes qui ont fait acte de candidature à de tels postes?

C’est très récemment que ce possibilité s’est révélé. Parce que la pensée avance, que la structuration du métier progresse et que, peut-être, une réflexion nouvelle est engagée sur la place d’un « corps sensible et expressif » dans le monde d’aujourd’hui?
Tout ceci est lié à la place laissée à la danse, non?
Avec une pensée en mutation, ou en évolution, à nous de nous en emparer.
La société a toujours un temps de décalage (ou plus?).

Isabelle Magnin, membre du Conseil d’Administration de Chorégraphes Associés

Avril 2014

Nous avons pris connaissance de la convention signée pour l’éducation artistique et culturelle entre Total et le ministère de la Culture. Nous sommes surpris de voir un acteur majeur du CAC40 participer aux choix d’actions à mener dans les domaines de l’Art et de l’Education.

Si certains voudraient y voir l’élan citoyen d’un géant transnational, cette action de communication masque en réalité un scénario que nous avons trop souvent vu se répéter : l’Etat ouvre la porte aux financeurs privés pour tenter d’écrire une histoire publique – privée.

Cette opération de communication offre à Total un nouveau label de moralité et de civisme à bon compte, en même temps qu’il crée un mouvement des plus inquiétants : après l’éducation artistique, la création ? Et bientôt l’enseignement ? La santé ? La justice ?

Nous sommes en colère de voir le ministère permettre qu’une entreprise privée contrôle par le biais de sa fondation le contenu des actions menées, surtout quand cette entreprise a tant de fois démontré son souci de l’intérêt général…

Nous sommes consternés d’assister à une opération de communication d’un géant du pétrole validée par le ministère de la culture qui n’engage plus les moyens nécessaires à sa politique ; une opération qui porte sur 0,013 % des bénéfices du groupe et qui lui ouvre de nouveaux droits à réductions fiscales (2,4 millions sur 4), en sus des millions d’euros déjà récupérés grâce au crédit d’impôts recherche (70 millions) et au crédit d’impôt compétitivité (20 millions).

Les équipes et structures professionnelles fragilisées par les resserrements budgétaires successifs, doivent-elles considérer cet argent comme une manne salutaire leur permettant de mener leurs missions d’intérêt général ?

C’est en établissant un impôt plus juste et équitable pour les particuliers et les entreprises, en stoppant la fuite des bénéfices dans des filiales off-shore, en taxant les transactions financières, comme l’avait promis le Président de la République lorsqu’il n’était que le candidat Hollande, que l’Etat pourra jouer son rôle et garantir équilibre des territoires, justice sociale et démocratie culturelle. Certainement pas en abandonnant ses prérogatives au bénéfice de l’image de transnationales.

Conseil National du Synavi

Février 2014

En ces temps où il est devenu assez commun de partager des projets entre amateurs et professionnels, quelques réflexions me sont venues à l’esprit.

La première touche bien sûr à la différence que l’on peut effectuer entre les deux termes. Il est certain qu’il y a certains endroits de frontières incertaines entre les deux postures, néanmoins, on pourrait avancer sans trop se risquer que l’amateur est celui qui aime une certaine pratique (productive ou non d’un objet) et le professionnel, celui qui dédie sa vie à son art, à sa pratique et en gagne sa vie.

Ceci n’est pas anecdotique. Le professionnel se consacre à son art, cela veut dire que ses préoccupations tant créatrices que matérielles sont orientées vers la réalisation d’un projet et si possible la rémunération correspondante. C’est un travail et il a une valeur, donc potentiellement le créateur reçoit une somme correspondant à cette valeur. Dans le domaine de l’art, rien n’est plus incertain que la vente de sa création et comme le dit le sociologue Pierre-Michel Menger, l’artiste est celui qui a une grande tolérance à l’incertitude ! Non d’ailleurs qu’il apprécie celle-ci, mais elle est, généralement, vécue comme une des contraintes de la profession. Par ailleurs, cette incertitude, tant créatrice que matérielle peut aussi générer une manière de s’intégrer dans le monde social, de s’envisager comme individu civique et influer sur, ou orienter un processus créatif.

L’artiste amateur n’a, bien sûr, pas à se poser ces questions. La création ne lui est pas forcément plus facile pour autant, mais il n’est pas contraint par la nécessité et n’a pas de pression de temporalité. La notion de plaisir est prédominante à celle d’urgence vitale. Son projet lui appartient, il le partage quand il le souhaite ou quand il est convié à le faire.

La difficulté pour moi commence au moment où le créateur amateur et le professionnel se rencontrent dans un projet.
Je parle bien de deux créateurs. Pas d’un créateur professionnel qui intègre des amateurs dans sa création ; en principe il sait gérer la situation, ou du moins l’envisager en connaissance de cause et sait qu’attendre des intervenants.

Un créateur amateur qui passe commande à un professionnel, se met dans une situation d’acheteur, donc la relation est en principe claire….
Donc deux créateurs élaborent un projet commun, l’un des deux est professionnel, l’autre amateur. Et là, pour moi commence une vraie difficulté. Elle ne réside pas dans les compétences artistiques, chacun à les siennes et techniquement le niveau peut être tout à fait le même. C’est au niveau du projet que l’investissement est à mes yeux différent. L’artiste qui consacre sa vie à la création a des exigences bien spécifiques. Un créateur amateur aime ce qu’il fait, il propose ce qui lui fait plaisir.

Bien sûr un créateur professionnel est quelque part dans le plaisir, mais quelque part seulement. Créer serait plutôt interroger, l’objet d’une création serait de questionner, de poser des jalons, ce serait une étape sur un chemin. Ce n’est jamais une fin en soi, c’est un moment d’un parcours de vie, un moment où une pensée, une image, un paysage se dépose, se construit. C’est un travail de soi, sur soi, en soi, et l’incertitude toujours éprouvée du partage de sa création avec les autres.

Car une création n’existe qu’avec, par, le regard de l’autre. C’est cela aussi la fragilité et la richesse du créateur : la place de l’autre. L’idée d’ailleurs n’est pas de plaire à l’autre, mais d’offrir une vision, une position, un parti-pris dont l’autre s’empare et qui lui appartient et qui finalement ne nous regarde pas.

C’est la notion d’œuvre que j’interroge ici :
ce qui fait œuvre, c’est la proposition que l’on fait, en tant que créateur et dont l’autre fait sa propre histoire.
C’est cette fragilité qui donne aussi son épaisseur à la création :
en ce qui me concerne, une proposition chorégraphique n’existe qu’une fois en public, donc à chaque représentation différemment. C’est là sa richesse, sa faiblesse, la part qui m’échappe et qui pourtant est indissociable de la création.
Peu importe ce qu’en fait le spectateur. Il est là avec son histoire, son humeur…. En toute humilité je lui offre mon point de vue, ma proposition et quelque chose advient… une sorte d’alchimie qui ne m’appartient que dans ce partage.
Alors le plaisir est celui d’avoir une proposition, la plus en adéquation avec soi-même, ses convictions, ses visions pour pouvoir les soutenir, les porter au regard des autres.

A quel endroit est le « travail », l’engagement du créateur amateur ? Et à quel endroit est-il travaillé, quand on sait que ce n’est pas son métier ?
Où est son exigence, sa recherche, son questionnement pour faire évoluer, avancer son œuvre, quand on sait qu’il est occupé par d’autres compétences ?

C’est une frontière que je trouve douloureuse à vivre dans une relation entre ces deux créateurs : il y a un endroit de dialogue qui n’existe pas ou qui s’il existe n’est pas de la même importance vitale.
C’est au niveau de la prise de risque qu’il y a un espace inconfortable entre les deux.

A l’heure d’aujourd’hui, avec les moyens technologiques à notre disposition, tout le monde peut se dire, se vivre artiste (on peut faire des photos, des films, imprimer des livres, créer ses musiques). Mais cela fausse aussi la connaissance du travail de l’artiste professionnel. Jamais comme aujourd’hui nos métiers de créateurs ont été si peu connus.
Alors comment travailler en collaboration entre un professionnel et un amateur ?
Comment préservez nos spécificités, échanger, s’apporter mutuellement et en même temps reconnaître nos différences, nos nécessités, nos vies différentes ?
La question est ouverte….

Micheline Lelièvre, membre du CA de Chorégraphes Associés

Mars 2014

Dans un souci de clarté et parce que les chorégraphes peuvent être auteur et/ou directeur d’artistes et/ou interprète, le syndicat Chorégraphes Associé.e.s clarifie et identifie les 3 facettes du métier de chorégraphe.

Nous avons déjà écrit à ce sujet (article consultable ici) et déterminé que l’écriture, la direction des répétitions et l’interprétation sont les 3 champs d’action du chorégraphe. Selon la production et le cadre de la création, le métier du chorégraphe peut prendre plusieurs formes, plusieurs statuts et plusieurs rémunérations.

Nous allons plus loin et proposons une grille de rémunération concernant ces 3 aspects de notre métier.

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1. chorégraphe auteur

Il écrit et utilise pour cela tous les supports possibles au 21^è siècle (partition, vidéos, logiciel, texte…). L’écriture peut se faire avant ou pendant les répétitions (parfois pendant les représentations). L’auteur est concepteur/créateur d’une chorégraphie; il est rémunéré en droits d’auteur et parfois quand l’écriture se fait en même temps que les répétitions, il peut être salarié par la production.

Il est difficile d’évaluer le coût de l’écriture chorégraphique car beaucoup de données personnelles entrent en ligne de compte dans la conception mais afin de donner un cadre parfois nécessaire dans certaines productions, Chorégraphes Associé.e.s a choisi de considérer le temps comme la base de ce coût. La journée de travail du chorégraphe-auteur est estimée à un minimum de 200€ brut.

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2. chorégraphe encadrant des artistes

Souvent, il dirige le travail d’une équipe artistique mais Il n’est pas forcément l’auteur de la pièce. À contrario, il arrive que l’écriture et les répétitions se trament de façon simultanée. Pour cette fonction le chorégraphe est cadre, car il intègre l’équipe dirigeante et assume les responsabilités dues à sa charge. Le chorégraphe salarié a un lien de subordination avec celui qui l’emploie. Il peut lui-même diriger des danseurs et est de fait, assujetti à des horaires de travail. Pour cela, le chorégraphe travaille (avec un répétiteur ou non) un certain nombre de jours, selon la production et la durée de la chorégraphie.

Le syndicat Chorégraphes Associé.e.s opte pour un salaire de cadre débutant à un minimum de 150€ bruts/ jour.

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3. chorégraphe interprète

C’est le cas le plus simple et le plus complexe à la fois. Puisque l’auteur crée son propre rôle, il faut bien, dans cette situation aussi, distinguer en amont de la production le temps relatif à l’écriture, celui de la répétition et celui du jeu. Il lui arrive aussi d’être interprète dans des créations partagées (films, vidéos, comédies musicales…)

Il existe une grille de salaires pour l’artiste chorégraphique qui varie selon la convention collective utilisée par l’employeur.

Il convient que le salaire minimum du chorégraphe-danseur soit majoré de 20%, car avant et après la représentation, c’est encore le chorégraphe (et pas le danseur) qui procède à des ajustements sur l’éclairage, le décor ou le costume…

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Ces 3 métiers du chorégraphe sont donc distincts, bien que la plupart du temps le passage de l’un à l’autre se fasse sur une même création.

Afin que chaque chorégraphe trouve son cadre de travail et sa juste rémunération, le syndicat Chorégraphes Associé.e.s affirme auprès des organisations professionnelles et des institutions, son attachement à cette diversité des métiers de l’art chorégraphique.

Chorégraphes Associé.e.s demande à tous les chorégraphes de déclarer leur activité autant que faire se peut dans chaque catégorie d’emploi. Il souligne la diversité de nos champs d’actions et demandent à ce qu’ils apparaissent, y compris sur une même création, notamment dans les budgets prévisionnels.

Communiqué de presse, le 22 décembre 2013

C’est avec une grande tristesse que Chorégraphes Associés apprend la disparition d’Alain Buffard.

Interprète de talent avec Brigitte Farges, Daniel Larrieu, Régine Chopinot ou Philippe Découflé, il s’était lancé avec intelligence dans la chorégraphie.

Ses pièces resteront des moments de l’histoire de la danse.

C’est un chorégraphe qui restera dans nos mémoires.